Regards

Chronique Numéro 23 – Alain Pusel

Leur ombre portée
Lorsque l’enfant était enfant, ce fut le temps des questions suivantes : Pourquoi suis-je moi et pourquoi pas toi ? Pourquoi suis-je ici et pourquoi pas là ? Quand commence le temps et où finit l’espace ? Peter Handke Dans ma première jeunesse, j’essayais de trouver un sens à mes pensées, tout du moins une sorte d’équilibre. Avec le recul, cela paraît désopilant. A cette période-là, tout le sens était dans cette recherche. Alors, je m’en étais remis à deux écrivains ; l’un serpentait autour de son proche passé, l’autre se verticalisait à la lumière de ses ancêtres. Tout les séparait. Plus tard, une même récompense les réunira, comme deux pages d’un livre ouvert, l’un clôturant, l’autre débutant un chapitre d’un récit différent. Si par amusement, on inversait le sens de la lecture, ce serait l’autre qui refermerait et l’un qui inaugurerait. Si l’on caresse de la paume de la main deux pages côte à côte, on peut ressentir des énergies différentes. Ce qui relie ne se lit pas toujours. Patrick Modiano est le piéton de Paris. Le repère fixe de toute son œuvre : la précision du cadastre ; qu’il parle du Paris des années 50 ou 70, les rues et les trajets empruntés sont rigoureusement exacts, précieux contrebalancement avec l’amnésie ou les hésitations récurrentes des narrateurs successifs, figures du double de l’auteur. Le titre d’un roman clé : Rue des boutiques obscures (1) donne le la de toute une œuvre, qui paraît osciller entre des souvenirs confus et des traumatismes bien lourds. Le lecteur s’entretient avec les souvenirs discontinus du personnage, écoute une petite musique de nuit. Il est rapidement curieux de l’un et envoûté par l’autre : l’écriture est un sortilège et Modiano sait égarer pour mieux nous reprendre par la main. A ses débuts, Jean-Marie Gustave le Clézio fascine et éblouit. Il est beau, blond, mystérieux, avec un air british et enfantin ; si mystérieux. Son premier manuscrit, envoyé par la poste aux éditions Gallimard, connait un vif succès critique ; Le procès- verbal (2) est le début d’une magnifique ambition sous la houlette du Nouveau Roman. Cet écrivain, issu de voyageurs bretons émigrés à l’île Maurice, écrit un univers ouvert à la multiplicité du monde. Ses récits emmènent le lecteur dans un ailleurs qui désarçonne, de la forêt d’Amazonie au désert du Sahara. Le Clézio aura vécu sur les cinq continents et émerveillé les lecteurs qui découvraient l’altérité inouïe du monde. Celui-ci qui reste en ses dédales intimes et celui-là qui mesure l’étrangeté des autres civilisations. Une écriture en spirale face à une écriture qui s’échappe ; l’écrivain des variations sur le même thème face à l’écrivain-monde. Le sédentaire et le voyageur. Le plan de Paris, la carte de l’Atlas. Le Clézio (né en 1940) reçoit le Prix Nobel de Littérature en 2008. « …écrivain de la rupture, de l'aventure poétique et de l'extase sensuelle, l'explorateur d'une humanité au-delà et en dessous de la civilisation régnante », selon les termes de l'Académie. Ce qui est apparu comme une surprise pour beaucoup est que Modiano, (né en 1945) est également honoré par l’Académie de Stockholm en 2014. «… pour son art de la mémoire avec lequel il a évoqué les destinées humaines les plus insaisissables et dévoilé le monde de l'Occupation », selon les jurés du Prix. L’homme du souvenir et du remuement de l’intériorité se retrouve à la même hauteur critique (nobélisation oblige) que l’homme des voyages et de l’ouverture hors occident revendiquée. Je me suis beaucoup amusé à reconsidérer ces deux figures, qui m’avaient aidé à grandir ; deux directions, deux ambitions, deux tuteurs à chaque bout du terreau qui me portait, jeune arbrisseau. Faut-il forcément s’appuyer sur l’un plutôt que sur l’autre pour s’élever droit ? Alternance ou exclusivité ? Je me plongeais dans les affres identitaires de l’un pour mieux prendre mon envol avec le récit des grandes étendues de l’autre. Une démarche bancale permet de voir au loin. Comme si l’équilibre était à portée du travail du regard. En ce milieu de juin, à une terrasse de Paris, près d’une flaque de soleil qui détoure un cercle d’ombre, je feuillette d’anciennes lectures. Je flâne, assis, immobile, sous ce ciel tendu de bleu, qui berce cette ville convalescente, aux passants à l’impatience retrouvée. Je me retourne, mais il n’y a personne. Pas seulement le soir, mais au creux de ces après-midi d’été où vous ne savez plus très bien en quelle année vous êtes. Tout va recommencer comme avant. Les mêmes jours, les mêmes nuits, les mêmes lieux… (3) Cela fait des années que j’ai cessé de croire que le pôle Modiano et le pôle Le Clézio, comme deux polarités électriques différentes et donc créant un champ d’attirance, me donneraient une stabilité psychologique, m’aideraient à suivre un chemin rectiligne ; peut-être même que l’un m’aurait servi de boussole et l’autre d’étoile du berger. La lecture n’est pas qu’un refuge, elle est aussi un champ d’aimantation et de vision. Au fil du temps, je me rapproche d’une pelote de fil à démêler. L’aimant du voyage ne m’attire guère, les plis du souvenir et le labyrinthe de la mémoire sont des lieux à redécouvrir, encore. Il y a comme un bouleversement, une rupture incroyable à la fin du texte L’horizon ; tout à coup, de manière sidérante – on est chez Modiano -, le narrateur quitte Paris, bascule dans Berlin. Et géographiquement et temporellement le lecteur ne sait plus du tout où il en est. Le lecteur est perdu alors que le narrateur renoue avec lui-même. Le lecteur en cherche son deuxième souffle, à moins que ce ne soit son Troisième Œil. Patrick Modiano, qui par magie nous guidait dans le rêve éveillé d’un Paris de jadis, d’un Paris somnambulique, nous projette dans une autre dimension, dans une invitation à l’éveil, le tout accomplit en quelques lignes. Un saut vers l’inconnue. Une promesse quantique. La joie mélancolique de l’Éternel Retour. Il suivait la Dieffenbachstrasse. Une averse tombait, une averse d’été dont la violence s’atténuait à mesure qu’il marchait en s’abritant sous les arbres. Longtemps, il avait pensé que Margaret était morte. Il n’y a pas de raison, non, il n’y a pas de raison. (…) Il était fatigué d’avoir marché si longtemps. Mais il éprouvait pour une fois un sentiment de sérénité, avec la certitude d’être revenu à l’endroit exact d’où il était parti un jour, à la même place, à la même heure et à la même saison, comme deux aiguilles se rejoignent sur le cadran quand il est midi. (4)  
  1. (1) Patrick Modiano, roman paru en 1978, Prix Goncourt
  2. (2) Jean-Marie Gustave Le Clézio, roman paru en 1963, Prix Renaudot
  3. (3) Patrick Modiano, Dans le café de la jeunesse perdue, Gallimard, 2007, page 107
  4. (4) Patrick Modiano, L’horizon, Gallimard-Folio, 2010, page 166

La rue des Lombards, rue du jazz à Paris

Par Michel Contat
A New York, au beau temps du be-bop, la 52erue alignait les clubs de jazz entre Broadway et la Sixième Avenue. Le Birdland, nommé en honneur de Charlie Parker, se trouvait sur Broadway (c’est aujourd’hui une boîte de strip-tease). A Paris, à part le New Morning de la rue des Petites-Ecuries, les boîtes de jazz se concentrent dans la rue des Lombards, entre le boulevard de Sébastopol et la rue Sainte-Opportune. Texte intégral

Attention aux Pièges à Cons

Par Pascal Aubier
Par Pascal Aubier

On est souvent abusés. Par la vox populi, les rumeurs, les assertions publicitaires et même par les amis. Après un été désastreux de jambes et bras cassés, ma femme et moi, avides de retourner au cinéma avons cru bien faire en cédant aux conseils. Bien mal nous en a pris. I Feel Good, s’appelle le film! Une comédie avec Dujardin que nous aimons bien, réalisé par Delépine et Kerven er avec en prime la grande Yolande Moreau. Texte intégral

Rubrique Au fil de l’Art 1 – Le Gisant d’Or

Par Camilo Racana
Une approche à l’œuvre de Christian Paraschiv exposée à la galerie David Guiraud, Paris. Mois d’octobre 2018/ Dans son ouvrage Strunga (1980), Paraschiv traite de l'un des principaux sujets de la tradition populaire roumaine. Cette série est basée sur une chanson du folklore roumain. Elle raconte le sacrifice d'un homme qui, avec sa mort, permettra le développement prospère de sa communauté et son dialogue avec un mouton chargé de communiquer sa mort à sa famille. Strunga rassemble un certain nombre d'éléments qui, jusque-là, habitent la création de Paraschiv: la photographie comme support, la nudité masculine, la colorisation, la peau, le portrait. Éléments qui évolueront ou seront modifiés tout au long de la série. En bref: les composantes qui mèneront son futur travail à partir de l'image du corps sacrificiel, de son passage à travers l'image du corps reconstitué vers le corps dans l'espace. C’est Le Salut. Alors que les scribes monastiques transcrivent la Bible sur la peau d’agneau préparée, Paraschiv découpera sa propre peau en carrés de 2 cm x 2 cm qui seront mis en culture jusqu'à obtenir une surface de 8 cm x 8 cm. Sur ces surfaces, les images scannées et numérisées de son corps seront imprimées et se reposeront, en gardant leur transparence, au dos de chaque morceau fixé sur une feuille d’or. Entre la peau de culture et la peau animale, il y a un transfert de l’image du corps pour chaque morceau. Par exemple, le « Corps vue de face » a 36 morceaux ! Donc, les scans du corps de face ont était réalisées dans 36 carrés de peau de culture. Ni dessin ni photo. Scan et intervention à la main pour chaque morceau. « L’initiation d’un jeune guerrier commence par la coupure de la peau...d’après les religions monothéistes par la peau qui entoure son gland, celle du dos, du vissage et des bras. Il y a une toute une œuvre faite de restes de peaux arrachées, de crachats, de poils, de caca, de sperme. Ce sont des corps en transparence ». Dans cette première période de son œuvre de reconstitution du corps, Paraschiv utilisera ses propres fluides qu'il conservera dans des reliquaires ronds. A la même époque, Il élaborera des performances extrêmes: "Le Noir est la couleur du langage", le corps enfoui dans les puits de charbon ou de mercure, la pose de ventouses dans son corps, il approchera l’actionnisme viennois et soviétique, fera partie de l'exposition «Phantom der Lust. Visionen des Masochismus in der Kunst » par Peter Weibel, Au début du 21ème siècle, la triade: peau – scanner – feuille d’or / support - image du corps - soutien, va évoluer. Le support sera l'acétate sur lequel sera imprimé le scan des segments carrés de son corps qui reposera sur la feuille d'or. Le corpus d'œuvres proposées à la Galerie David Guiraud est divisé en quatre groupes: 1 Les Gisants 2 Les Kimonos 3 Les Carrés 4 Les Cœurs. 1 Les Gisants : sont des corps en suspension. Le corps est « le même unique corps reconstitué par la force de la vénération » présenté dans les quatre positions : du flanc droit, du flanc gauche, du torse, du dos. a Le flanc droit (destra). Le corps comme paysage, lieu du permanent renouvèlement saisonnier. Les bords du corps découpent le fond par l’incision. Evoquant le « Christ mort» de Hans Holbein, le jeune, ici, Paraschiv, fait un clin d’œil et se moque du « point focal ». b Le flanc gauche (sinistra). Le cœur. Le monde du dedans. La vidange des entrailles de l'intérieur du corps dans la peinture pharaonique. c Le corps vu de face (ante). Le corps du mâle et son évolution à rebours. Le rajeunissement inaperçu du visage. Le baiser du gisant nu de Louis XIII cachant son sexe avec ses mains. d Le corps vue de dos (retro). La non-anatomie du corps. La théorie de la couleur et le chromatisme. Le contraste simultané et la perspective des couleurs. Les illuminations, l’irisation et les piqures pénétrantes du passage du scanner sur la peau. 2 Les kimonos. Ces trois œuvres ont ainsi été titrées par Parachiv en hommage à l'or dans la peinture japonaise. Dans ces trois œuvres, les carrés forment un tau. Le tau est la lettre grecque qui sert d'appel à la crux commissa, l'une des quatre formes iconographiques de représentation de la croix. Au Japon, les kimonos sont faits des morceaux en tissu découpé, plié et jamais recousu. Ils forment des surfaces qui ne tiennent pas en compte de l'anatomie de celui qui les porte. La forme des Kimonos de Paraschiv est posée sur la toile de bure. La toile de bure est l'un des tissus à l'usage ecclésiastique qui indique la plus grande pauvreté de celui qui l'emporte. 3 Les carrés. Paraschiv considère le carré / le cube / le chiffre 4 comme fondamentaux pour son travail. Dans une autre publication, je développerai en détail la signification de cette triade ainsi que la signification et l’utilisation d’autres composants des œuvres de l’exposition «Le Gisant d’Or». Pour l'instant, je dis que le carré est la forme de contention des zones chromatiques. J'ai déjà indiqué que le « point focal » (par exemple : l'œil droit de Jésus dans l’ "Ultima Cena" de Leonardo), est une mathématisation de l'espace qui génère une perspective en ligne droite, il est aboli par la perspective renversée propre aux "véritables icônes" au dessin d'enfant ou à l’art brut. Maintenant, les Zones internes qui vivent dans la "forme carrée" produisent une dynamique par proximité. Ces Zones contiennent la matière vivante qui germe simultanément, tels les « sacs de viscères », attendant la recomposition du corps. La contiguïté des carrés génère une silhouette : "Le Gisant", disons qu'elle génère "l'impression d'une silhouette au repos". Cette silhouette sera complétée en alliant la transparence de l'acétate à l'or sur lequel elle repose. Ainsi, devant nous, nous n’avons plus la reproduction de l’image corporelle de Christian Paraschiv et toute la réalité laborieuse de son travail, mais une image vivante enveloppée par son aura flottant dans l’espace. C’est Le Gisant d’Or. 4 Le cœur. Le Reliquaire. La relique est très fragile. Toujours. Le reliquaire est la caisse, le récipient qui protège la relique. Paraschiv sait à quoi on appelle «corps-plein sans organes ». Paraschiv sait que la peau est le grand organe du corps. Paraschiv cherche dans son corps l'organe de ses palpitations. Le cœur a quatre chambres. Parachiv place le radiogramme de son cœur "en relique" dans un reliquaire débordant d'or. Brèves mentions de fin du rapport. - Les titres originaux des œuvres sont Nomos, Corps et / ou La Peau accompagnés d'un chiffre romain. La controverse est donnée par la signification du mot Nomos et par la définition que j'ai utilisée pour cette exposition. Le mot Nomos, transcription du mot grec νόμος est rapidement traduit par le mot "loi" en tant que comportement habituel, coutumier. Il me semble que dans notre cas, la signification la plus appropriée est celle utilisée comme "district". Comme il nous le rappelle son dérivé égyptien de la période ptolémaïque, Nemos désigne également le quartier mais il s'applique singulièrement à ces endroits de culte où se trouve la relique d'une partie du corps démembré d'Osiris. - La forme carrée est formée par deux équerres aux bras identiques dans un angle droit. Elle doit être distinguée du quadrangle de Malevitch. - La croix carrée ou croix grecque crux immissa quadrata. Il s'agit de quatre segments (les bras) d’une taille égale. Elle se glisse parmi les carrés de contention. Elle ne représente pas la crucifixion mais les quatre apôtres, les quatre points cardinaux, les quatre éléments, les quatre champs. L’androgyne primordial. Masculin-Féminin. - L'or. Paraschiv, imprégné par la culture et l'orthodoxie byzantines, intègre l'or dans son travail, non pas comme une couleur à laquelle il attribue la qualité de subversif mais comme une peau. L'or transforme la matière picturale et la met en suspension. En modifiant la nature de la couleur, il la dirige au-delà de la subversion. La matière aurifère enrobe la surface et génère l'Aura. « L’utilisation de l’or dans l’icône byzantine renverse le principe curant de la couleur simple. En appliquant un jus de couleur sur la feuille d’or, l’or devient plus présent ou plus éloigné. En plus de çà, sur la feuille d’or, il y a dans l’icône des incisions qui donnent une autre référence volumétrique. Le support est gravé presque comme une tissu en relief !! Avec l’illusion qu'il s'agit du relief» L'or est un alliage. J'ai distingué trois manières de le travailler: par l'application de feuilles d'or fines et résistantes, par la pluie de feuilles découpées et par la pulvérisation de feuilles d'or qui, mélangées à la glue, créent une pâte prête à s’étaler en surface. - Horizontalité et verticalité dans l’exposition « Le Gisant d’Or ». Tandis que les gisants au flanc droit et au flanc gauche flottent dans leur horizontalité, les gisants de face et de dos découvrent leur silhouette «glaive» et maintiennent une suspension statique comme les gardiens de qui sait quel territoire. Ah ! Seuls deux gisant ont été réalisés en feuille d'or sans carré. Les deux sont d'une finesse rare. L’un est un Gisant au corps en or perforé aux trous réguliers qui découvrent de cercles de couleurs pâles et acides, bordé par le flot du Noire. L'autre, plus petit, est une feuille entière arrachée sur laquelle est incisée l'empreinte du corps du Gisant. Ces Gisants font partie d'une archéologie contemporaine, vivement la rhétorique. Les deux sont aussi mystérieux qu'une méduse dans le sable. Paris 8.VIII.2018

Prix de l’Ermitage

Par Martine Boulart
LE PRIX D’ART CONTEMPORAIN DE LA FONDATION DE L’ERMITAGE 2018 Le prix de l’Ermitage a été attribué cette année 2018 à Dongni Hou, qui rejoint Esther Ségal, dans l’élan de cette prestigieuse épopée. L’ambition du Prix de l’Ermitage  Tout d’abord un grand merci à Alexandra et Claude Fain pour leur accueil dans cette jeune foire de haute qualité, j’aime cette foire créée par un père et sa fille, je suis très touchée et honorée par votre invitation. Texte intégral

François – Xavier Fagniez

Par Alin Avila
François-Xavier-Fagniez
Qu’est-ce que le vivant et comment le dire ? Le frémissement d’une peau, le chatoiement d’un élytre, l’humidité d’un regard… Qu’est-ce qui fait monde et comment le dire ? La peinture et le peintre en singe jouent des attributs des apparences, pour les quémandeurs d’images. Dire le vivant revient à la prouesse d’agir sur la logique des instants, faire qu’ils continuent à couler tout en se maintenant sur un point d’arrêt qui serait l’œuvre. Je m’explique : ce qui nous leurre d’une présence maintenue (Regardez comme cela semble vivant !) ne tient pas à la représentation, mais aux gestes qui la conduisent. Voyez comment l’artiste – le vrai – ne s’encombre pas des contours et des apparences mais se soucie avant tout du matériau. Poser votre œil sur un bout de Vélasquez – tiens, cet étonnant portrait de Démocrite, au musée de Rouen! Il nous révèle tout du doute et du plaisir que la peinture produit. “Nous ne savons rien, la vérité est au fond du puits” affirme le philosophe en montrant d’une main pataude un globe terrestre. Prêtons plus d’attention à sa revêche manière de peindre. Ici, peindre n’est que peinture, jamais faire le beau avec de faux semblants. Vélàsquez est sans doute celui qui s’est joué le plus des prescriptions figurables, pour aller jusqu’au magma pictural. Ce qui vit, ce qui se maintient vivant, c’est ce qui au fond du puits n’est qu’une boue de substances mélangées qui atteint la grâce quand une main s’en joue. François-Xavier Fagniez ne s’intéresse pas aux hommes, non qu’il les ignore, mais il s’en protège comme Démocrite dans l’enclos de son jardin. La peinture est ce lieu où il pose des équivalences au vivant et aux forces qui le traversent (le vent, la pluie, les pétales et les nuages qui se déchirent pour se reformer là-bas, là-bas…). Politesses et déférences face aux moteurs de la nature, aux actes répétés des saisons, des couleurs des tempêtes et des fenaisons. qFagniez sait avant tout la laisser, la peinture. La laisser à elle-même. Et bien que ses œuvres paraissent gestuelles, aucune brusquerie. La main ne se devine qu’en suggérant des rythmes, ou quand elle offre une direction à la matière, qui n’a pas besoin de l’artiste pour emmêler ses tons et qui n’a pas non plus besoin de lui pour couler de toutes ses eaux. Mais, par lui, sans que jamais elle ne soit violée, la matière est peinture. Maître d’incertitudes en majesté, Fagniez, d’œuvre en œuvre, étend une pensée visuelle qui justement ressemble à l’expansion continue et toujours changeante du vivant, mais sans pathos. Préserver le vivant n’est-ce pas laisser la vérité au fond du puits ? François - Xavier Fagniez est né en 1936 dans les Pyrénées. Il vit entre les Landes et la Brie, toujours au milieu de la nature qui est son inspiratrice.

AVIGNON – 72°Festival IN, la suite

Par Katy Sroussy
Engagé, Pertinent, Fascinant, Tragique, Baroque, Hilarant, Violent… Ainsi fut nommé le 72°  Festival d’Avignon, service public de la culture. La direction remarquable de Olivier Py et de son équipe, a su partager  les  multiples talents du théâtre et de la tragédie, de la danse, de la musique, de l’art pictural, de l’indiscipline, avec les visiteurs et spectateurs passionnés. Texte intégral

Sophie Sainrapt — Terre et feu

Par Mylène Vignon

Des assiettes bucoliques aux couleurs impressionnistes, c’est ce que propose Sophie Sainrapt, qui nous surprendra toujours. Cette fois-ci, c’est l’âme des jardins de Claude Monet, qui erre jusque dans nos assiettes. C’est lors d’une promenade automnale dans les allées conçues par le peintre jardinier que dahlias, zinnias et amarantes se sont dressés telle une explosion chromatique devant l’iPhone de Sophie. Texte intégral

Tony Bennett et Diana Krall en duo

Par Michel Contat
Parmi les crooners, il y en un seul d’incontesté et incontestable : Frank Sinatra. Mais, tout de suite après lui, l’un s’impose depuis beaucoup plus qu’un demi-siècle : l’italo-américainAnthony Dominick  Benedetto, dit Tony Bennett. Né en 1926. Un crooner au phrasé de saxophoniste ténor. Une voix unique. Texte intégral

Noémie de Lattre, féministe pour Homme

Un portait en toute intimité
Joué à Avignon cet été au théâtre des Béliers, Féministe pour homme ouvre la réflexion sur une pléiade de questions autour de la condition féminine et décape avec le sourire et un humour sans concession les stéréotypes dont les féministes sont le plus souvent affublées. Un show détonnant aux sujets multiples et variés dont l’objectif est de mettre en mouvement une pensée qui, une fois chez nous, continue de cheminer et de nous interroger. Texte intégral

Dorothéa Tanning et Barbara d’Antuono

Par Théodore Blaise
Ainsi va le fil, suivant l’aiguille, suivant la main, autant accroché au regard que puisant dans le temps, ses récits, ses attentes. Il faudra se rappeler que c’est au Bauhaus, qu’Anni Albers a su porter dans le champ de l’art celui du fil, et que son ouvrage On weaving  en destitue la notion d’ouvrage de dame. Fortement influencée par l’ingéniosité des quilts américains et l’art du patchwork des femmes de la campagne, éblouie par l’usage des laines et des fibres qu’en faisaient les  latinos, elle défendra au sein du Black Montain College, la noblesse de ses pratiques.  Texte intégral